El Club del Silencio

Muere el último mito del cine: Ingmar Bergman

Mon, 30 Jul 2007 10:15:13 GMT

Hace poco sufrimos la noticia de la muerte de uno de los genios inseparables de Bergman, Sven Nykvist, que fue mucho más que un director de fotografía.

Fueron también Tarkovsky, Kieslowski… ahora le toca el turno a Ingmar Bergman. A los 89 años, el director sueco abraza a la muerte que tanto temía, a la que tanto se refería en sus films, y lo hace, según declaraciones de su hermana Eva, “tranquilamente” en su hogar situado en las islas Faarö.
Aún no se han esclarecido las causas de su muerte, aunque todo apunta a lógicas causas naturales.

Teólogo, escritor, artesano, apasionado del teatro, director, guionista y sobre todo y por encima del resto: maestro.
Perteneció a una aureola mágica de cineastas que dotaron al cine de un sentido mucho más allá de lo visual.
Mientras el séptimo arte no sabía qué dirección tomar, ellos le otorgaron una nueva e irrepetible (aún más a día de hoy) aureola metafísica.
Época difícil para el cine, primero fue Bergman, de la mano de Tarkovsky. Luego fue Kieslowski.

A pesar de compartir pasiones, eran (Tarkovsky y Bergman) dos directores muy diferentes. El sueco convivía con sus pausados y agónicos primeros planos, en los que el ruso se veía incapaz de detenerse. Lo suyo eran los naturales e infinitos travellings y planos secuencia. Ambos concebían el arte de una forma bien distinta. Y, a pesar de todo, ambos veían más allá del espejo.

El cine no puede, ahora más que nunca, volver a mirar a través del espejo. No será lo mismo.

Miradas las hay muchas. Diversas y quizá ricas. David Lynch es de los pocos ejemplos en vida. A lo mejor Paul Thomas Anderson decide tomar las riendas de la búsqueda del nuevo cine. El genio de Montala, su metacine. El descubrimiento, la destrucción de un “dinosaurio lento y pesado” que ya nada tiene que ofrecer en sus últimos coletazos.
Pero nunca podrá repetirse. La muerte de Bergman pone punto y final al cine de inquietudes morales y metafísicas. Al cine reflexivo hasta el máximo, hasta el punto de una implosión contenida de unas lágrimas que jamás podrán ser derramadas.

Hace muy poco se cumplió el XX aniversario de la muerte de Tarkovsky. Lo mismo ocurrió con el X aniversario de Kieslowski.

Y ahora… ¿qué hacemos? ¿hacia dónde vamos? Una pregunta de muy difícil respuesta, y más cuando los que la buscaban desaparecen. Ellos tampoco la encontraron, por supuesto, pero sus preguntas y búsquedas nos daban fuerza, nos emocionaban y nos dolían en lo más profundo de nuestro ser. Eran los maestros que nos enseñaban a buscar la luz de nuestras vidas. Y, de paso, buscaban la de las suyas propias. Todo para llegar a la conclusión de que cada uno debe seguir su camino. Sea cual sea.

¿Qué habrá sentido el director sueco al saber que llegaba su hora? En más de una ocasión confesó sentir verdadero miedo a la muerte. Y su obra navegaba muy a menudo en torno a esa idea.
Su última obra, “Saraband”, abrazaba la muerte y el amor casi de forma profética. Con 86 años lanzó su último suspiro a través del espejo. Ese suspiro hoy, día 30 de Julio del 2007, llega a su fin.

El último adiós al cine. Se puede sentir.

Descanse en paz.

INLAND EMPIRE: penetrando en el imperio

Mon, 26 Feb 2007 17:46:05 GMT

A modo de continuación del hilo colgado en la crítica ya añadida, trataré de buscar una interpretación “coherente” o válida para el film. Vamos, como siempre, al igual que en “Carretera Perdida” o “Mulholland Drive”. Todos a desengranar la trama, ésta sea o no inexistente.
Quien opine que la obra de Lynch no tiene sentido o no le interese, recomiendo que se quede aquí. Será mejor para todos.
De la misma forma, en efecto, todo aquel que no quiere ver cómo se le revienta un trabajo pendiente de visionado.

No creo conveniente añadir nada respecto a su rodaje escena a escena, sin guión prefabricado, o lo que dijo o dejara de decir el propio director. Es obvio. Leer es suficiente.
Luego, estamos ante un juego en el que podemos divertirnos o no (Lynch ya lo hace), es decisión del espectador. ¿Queremos o no queremos jugar?

Yo estoy más que convencido que los films de Lynch están perfectamente medidos (ruede sin guión o no, la idea permanece, y el posterior montaje también existe), como ejemplo serviría cualquier análisis realizado a los films anteriormente citados.
Aunque también es posible que lo único que nos conduzca en este camino sea el inconsciente o la intuición. O que el propio Lynch repita secuencias numéricas, planos, parajes, sucesiones que nos inducen a pensar que hay cierta lógica argumental para, precisamente, eso: hacernos dar vueltas a un misterio que no hace más que conducirnos a otro misterio. Porque, sencillamente, en la punta del iceberg no hay punta. Es decir, no hay resultado, no hay misterio que resolver.

A lo mejor ahí radica el éxito del verdadero misterio.

Pero como la obra tiene multitud de posibilidades, como analizarla, estudiarla, no interpretarla o dejarla simplemente como regocijo para nuestros sentidos, lo cual la convierte en la genialidad que realmente es, trataremos de darle vida más allá de su propia existencia.
Haremos que nuestra mente no pare de pensar en sus escenas, intentado buscarles un sentido que puede que a lo mejor no exista. Convivirá una gran temporada con nosotros. A lo mejor hasta nos obsesiona.

Nada de esto importa:

Comencemos por lo más sencillo. Por lo que representa en carácter general.
Como he anotado en la crítica, “INLAND EMPIRE” me parece más que un claro ejemplo de ejercicio metafílmico. Es decir, cine dentro de cine, que va más allá de la gran pantalla.
Todos formamos parte de un todo, que en este caso es la película, pero fácilmente aplicable a la totalidad del cine (vida). Somos espectadores, y para llegar a la meta tenemos que ser parte activa del juego. Si hay pasividad no alcanzaremos la “comprensión”.

Como evidente botón, la presencia, casi al final, de Laura Dern en una sala vacía, observándose en la pantalla, siendo, al mismo tiempo, observada y también ella intuyéndolo.
Eso es: nuestra existencia está unida, somos una especie de cosmos conjuntado, aún sin darnos cuenta. Y aunque en un principio nuestros actos no interaccionen, ni sea necesario, hay ocasiones en las que determinadas “almas atrapadas” (sea por motivos no resueltos en vida, por negación o sufrimiento o por chocar de forma inesperada) necesitan de nosotros, de nuestra intuición, de lo que no vemos, de lo que sentimos, para alcanzar un nuevo plano y ayudarlas, sacarlas de ese “sueño que atrapa su corazón”.
Son palabras de la actriz/¿prostituta? (espectadora) que durante todo el film visiona la obra con lágrimas en sus ojos. Atrapada en su pasado, en un plano al que su vida errática le ha conducido. Y necesita de alguien que viva experiencias similares a las suyas para interconectarse con ella.
Mira a la pantalla, ve su propia historia (la de Laura Dern), se “comunica” a su lado, se emociona con ella porque le hace recordar, surge la esperanza. De hecho, la estética de la estancia en la que pasa todo el rodaje es la misma que la de la sala de Nikki.

En un comienzo observa horrorizada, con miedo, la habitación donde unos conejos hablan de forma incoherente, donde el tiempo no tiene secuencia lógica, y lo único que parece velar es un misterio absurdo. Un misterio que no existe. Una espera eterna por algo que no se sabe bien qué es. Es una especie de purgatorio (al igual que la Habitación Roja en “Twin Peaks”) donde las almas aguardan condena. Carcajada tenebrosa de la atrocidad.

Para llegar allí hay que abrir puertas, unas conducen al horror, al pasado, al reconocimiento de una dura realidad (embarazo, maltrato, prostitución), y que pasan por parajes oscuros, repletos de cortinas rojas que fuerzan a desplazarse de plano a plano, de realidad a ficción, de mentira a verdad.
Maravilloso el juego de apertura de puertas que conducen a otros mundos/tiempos/estados de ánimo. Simula una Alicia en busca del país de las maravillas, pero lo único que encuentra es miedo, sufrimiento en forma de recuerdos. Aunque, de una u otra forma, necesarios para alcanzar su autoreconocimiento.

El punto de unión entre las dos historias (¿son la misma historia?) intuyo que será el momento en el que Nikki, tendida en el suelo, vomitando sangre al virginal (je,je) suelo de Hollywood Boulevard, muere recordando su historia (¿imaginada?).
Recalco lo de imaginada porque, como sospecho que todos pensaron como posible final de la obra y Lynch vuelve a dar un giro inesperadísimo y olvidado (como lo es el rodaje de la película), la oriental que comienza a contar este aparente delirio narrativo (todo un puntazo) deja claro que esa historia es la que pertenece a la propia Nikki/¿Susan? ¿Nikki? Bueno, dejémoslo en Laura Dern.
Celos, venganza, y un momento de lucidez para el recuerdo antes de dejar el mundo. Toma como propia la historia de la oriental. Almas en busca de redención.
Un pasado de prostitución, embarazo no aceptado por la pareja, posteriores maltratos, miseria económica, vuelta a la prostitución, proxeneta que no para de acosarte. Vamos, historia sobre historia.

Lo que Nikki entiende al final es el sacrificio que ha de realizar para salvar a la otra actriz (prostituta) que se queda atrapada, quedándose así su propia alma capturada. No es más que una clara alusión a actrices que son devoradas por sus papeles, que se creen tanto su personaje que llegan a confundirlo con la realidad. No saben qué es qué ni quién es quién. Para muestra, actores célebres como Bela Lugosi.
Desde ese punto de vista, es un grandísimo homenaje/¿despedida? al cine. A ese gran “dinosaurio lento y pesado”. A ese gran arte que, en ocasiones peligroso, malvado, se inmiscuye en la vida hasta el punto de borrarla.

Entonces, si la actriz del rodaje anterior está atrapada, ¿hubo o no asesinato? ¿Murió y está aprisionada en otro plano? ¿Qué diablos pasa aquí? ¿Es ese el final terrenal y el otro el espiritual (es decir, lo que se levanta de Nikki es el alma y no la persona)?
No puedo ofrecer respuestas concisas, pero la secuencia inicial en la que una perturbadora, aterradora, genial Grace Zabriskie acude a la casa de Nikki (vamos, “su casa” por situarnos, porque a buen seguro será alguna proyección de un deseo, la mansión que anhela) a presentarse, presiento que es clave en esas divagaciones que ella misma cuestiona, e imagino que lo que representa la mítica madre de Laura Palmer es el reconocimiento de su yo “maligno”, más real (¿su futuro?, ¿su propia conciencia?), un ente (como a “Carretera Perdida” el Hombre Misterioso) que aconseja narrando un cuento gitano polaco, cuento en el que, a la postre, Laura Dern se verá inmersa, por supuesto. La vecina, repleta de objetividad malvada, plantea preguntas acerca de lo que sucederá/sucedió.
Así, Grace Zabriskie, le asegura que el papel es suyo. Claro que lo es. Es protagonista de su propia historia, que es su vida pasada.
“Is difficult to see it from the road…”. El acceso a la casa no es fácil de hallar.

El juego de números, mediante el 4 y el 7, creo que también tiene mucho que decir en el film. Rezan algo de 4-7 en alemán, el número de chasquidos que realiza la Dern con sus dedos es 7. Las prostitutas (ella incluida, claro) la acompañan a partir del cuarto. La cámara incide en este hecho. ¿Son números que unidos dan acceso a la puerta? Porque, como no podía ser de otra forma, el número de habitación de los “Rabbits” es el 47. ¿Representa la aceptación de un pasado para el acceso a la posible salvación?

Es entonces cuando llega a la habitación, tras disparar en vano al malvado de turno (¿se dispara a ella misma?). El acceso al purgatorio (la puerta) se abre. Pero no se ve el horror. La habitación está vacía. No hay conejos. Allí cerca sólo está la espectadora/actriz, ansiosa, anhelando la llegada de su heroína para alcanzar la libertad.
Beso, exención, Nikki pasa a mejor vida. Ella se queda atrapada allí. ¿Pero a dónde va? A diferencia de la otra actriz, ¿le espera otro destino? El de la polaca parece que no era su momento, pero ¿será el de Laura Dern?

Mientras Nikki, por su labor realizada, accede a una especie de cielo representado, obviamente, por ese final (créditos), la eterna espectadora experimentará una nueva oportunidad, junto a su amado. El reencuentro.
La salvación final no es más que una confluencia con “amigos” de obras previas, la parodia a sí mismo de Lynch, su autohomenaje. En esa especie de paraíso lleno de locura, albergue de lo disparatado, aparecen personajes pasados por la batidora del director: Laura Harring, el mono de Twin Peaks, protagonistas de la tronchante narración de la oriental, incluso el campesino talando un tronco que tanto nos recuerda a Michael J. Anderson en “Industrial Symphony No.1: The Dream of the Broken Hearted”.

Cachondeo, felicidad, falta de cordura. Lo que para el director representa una especie de “cielo” (regalo divino). El cine de Lynch es más estomacal, evidente, directo y sencillo de lo que puede parecer al estar encubierto por imágenes inconexas. El mecanismo de los sueños.
Sorprende y desconcierta un final tan fiestero/alegre en la filmografía de David. ¿Mera coincidencia? ¿Apetencia? ¿Ironía? ¿Intención?

Al menos la mandíbula y rostro desencajados de Laura Dern tienen justificación y recompensa.

Sin lugar a dudas, lo que he dicho no aclara todo el desorden de escenas, a lo mejor no hace más que complicarlo. Pero sí que sirve para ponernos un poco en situación. O para jugar y disfrutar. O para obsesionarnos. O para que, definitivamente, llamen a un psiquiátrico para la busca y captura. En fin. Lo cierto es que la investigación post-película-de-David-Lynch es única e inolvidable. A mí me llena sobremanera. Qué le voy a hacer.

Entre todas las dudas pendientes de aclaración, quedan algunas tales como:

- Las prostitutas, evidentemente, forman parte de Nikki. Es más, Nikki a buen seguro fue una de ellas, de ahí la unión de ambas historias, pero, ¿qué tienen en común Polonia con U.S.A.? ¿Algo más que historias cruzadas de vidas afines?

- Sue (Nikki) llama en varias ocasiones preguntando por Billy. ¿Referencia a qué? ¿A que Billy es, precisamente, el que le ha dejado tirada al conocer su embarazo? A ello me inclino por la escena en la que una descolocada Laura Dern acude a su casa mencionando algo de “tenemos un problema, algo va mal”. ¿Engaños inconfesos a su mujer (la misma que clava el destornillador en el estómago de Laura)?

- Una de esas llamadas es descolgada por los conejos (misma secuencia que apareció en la serie “Rabbits”, pero dotada de un nuevo significado). ¿Alguna relación más allá de la evidente entrada posterior de Nikki a dicha habitación? Aterrador.

- Se conoce que la actriz/espectadora atrapada está cerca de la habitación de los conejos, si no es en la misma (aunque en imagen parece la entrada principal a ella, es decir, donde Nikki habla con su nueva vecina, por donde sale uno de los conejos), pero ¿cómo entonces los ve en su televisor? ¿Es una proyección de lo cercano? ¿Lo que le aprisiona? ¿O acaso ella es la única que ve a esos personajillos que la acompañan en el purgatorio? ¿Será la puerta que comenta en la conversación primera Grace Zabriskie? Apuesto por esto último. Una especie de acceso a otro plano. O a lo mejor más real: su imaginación enferma al mirar a la pared, destrozada, soñando (no sería nada extraño en Lynch).

- El marido de Nikki que amenaza a Devon fervientemente, no sé por qué extraña razón, pero me recuerda en cierta forma al cowboy de “Mulholland Drive”. A lo mejor por su forma de hablar, consejera pero maligna. A lo mejor por frases tales como “hay consecuencias para nuestros actos, y, por supuesto, habrá consecuencias a buen seguro para los malos actos”. ¿Recrimina algo en especial? ¿Recuerda lo que hará y le pone en aviso?

Vamos, como estas hay miles de dudas. Tres horas de metraje dan para mucho. En posteriores visionados a lo mejor se esclarece algo. O a lo mejor no. Y se complica más. La cuestión es que, pase lo que pase, será disfrutable. Es un mundo extraño.

Pero hay que darse prisa, puesto que las 20 únicas copias distribuidas a lo largo del país por Vértigo pueden desaparecer de un plumazo. Y a lo mejor la recortan. Y a lo mejor el DVD (si se llega a editar) sale mutilado.
No hay mejor ocasión, porque además la tenemos en V.O. obligada, que debería serlo de todas formas. La película lo necesita.

Solamente hay una película que me dejó con la sensación elevadora, críptica y al mismo tiempo mágica que lo ha hecho “INLAND EMPIRE” (con el permiso de “Eraserhead”): “Zerkalo” de Andrei Tarkovsky. Nada más allá que la pura anécdota, pues no tienen nada que ver en absoluto.

La cuestión es que en el cine de Lynch, al igual que en el arte en general, el único artista no es el realizador, director o pintor. Nosotros también tenemos que serlo. Él da las primeras pinceladas, para dejarnos el resto a nosotros. Las seguimos con la mirada, con el corazón, con el inconsciente, pero tomamos parte. Las unimos, las interconectamos, nos las inventamos. Hacemos algo con ellas, lo que sea. Si no hacemos nada, no habrá cuadro.

Sobra, entonces, en gozar y percibir que el cine puede servir para algo más que para dejar la mente en blanco, como pregonan por ahí en la actualidad. Y para volver a ver “INLAND EMPIRE”. Una y otra vez. Hasta matar lo último que me quede con vida. Aunque quién sabe si para entonces estaré tratando de sanar mi sobredosis. O si, al fin, habrán logrado enchironarme.

Mientras tanto, el que quiera jugar al juego, ya sabe lo que tiene que hacer: participar.
¿Para qué, sino, realiza Lynch desde hace más de 30 años meditación trascendental?

P.D.: “Polish Poem”, vaya maravilla de tema. Una divinidad.

P.D.2.: En un principio, la secuencia en la que las prostitutas se lanzan (inesperadamente y de golpe y porrón) a bailar “The Locomotion” me pareció fuera de todo contexto, además de hilarante. La cuestión es que desde hace días no soy capaz de frenar el tarareo del mito de Little Eva.

P.D.3.: El cine de Lynch es, en ocasiones, terror en estado puro. Como en “Lost Highway”. Ya quisieran muchos alcanzar dicho grado en películas suyas que califican como terroríficas.

INLAND EMPIRE

Sun, 25 Feb 2007 16:19:00 GMT

David Lynch elevando al verdadero David Lynch: el nuevo cine se ha engendrado

No son pocos los que dicen que a David Lynch no se le puede dejar solo frente a un proyecto: desatará la caja de los truenos, hará todo lo que su mente y su intuición le dicten, el universo propio se convertirá en un caos donde ordenar la más mínima pieza se convertirá en una amenaza, la lógica témporo-espacial desaparecerá del diccionario, incluso surgirá un nuevo concepto de cine.

Eso es, ni más ni menos, lo que ha hecho el genio de Montana. Ha destrozado por completo el celuloide, considerado según él “un dinosaurio lento y pesado”, y ha reinventado todo juicio digitado creando una nueva etapa (necesaria y futura) “cinematográfica”.

La libertad digital que tanto adora el prolífico realizador se nota, y de qué manera, en “INLAND EMPIRE”. Sus rasgos personales, sus elementos intransferibles, todo lo que caracterizaba al cine de Lynch se ve aquí transportado a su máxima expresión. Hace, por primera vez, lo que realmente quiere hacer.

Más aún. Supera todo límite de expresiones. Transforma todo lo clasificable (que ya era poco en parte de su cine) en inclasificable. Nace el metacine, el cine dentro del cine, las películas dentro de las películas. El cine es vida, la vida es cine. Y llega el momento en el que es imposible discernir cuál es cuál.

Por tanto, esta nueva película aumentará en mayor medida (si cabe) el abismo que hay entre los seguidores/analíticos del cine de Lynch y los que no comprenden su comportamiento o lo desprecian: aquellos que verán en su reciente obra una antológica tomadura de pelo o una evidente inserción en el mundo de las drogas duras.
Ese abismo es, ahora, insalvable. Desquicia o maravilla. Esto es el fin.

Pero en ningún momento se le ha ido la cabeza al bueno de Lynch, y tampoco pretende tomarnos el pelo. A lo mejor lo único que hace es parodiarse a sí mismo. Y, de la misma forma, incrusta numerosos detalles que sirven como referencia a su cine previo. Da la impresión de que se despide de algo, probablemente de su 35mm, para dar paso a una nueva vida: la vida digital. Una era que comienza de forma muy desigual, incluso con esperanza, alegría o cachondeo.
Hay alusiones, como he dicho, a “Carretera Perdida”, a “Mulholland Drive”, a “Twin Peaks”, incluso momentos necesariamente profundizados como los de “Darkened Room” o “Rabbits”.

Es ir mucho más allá que “Mulholland Drive”, introducirse de lleno, mediante una enorme Laura Dern, en Hollywood Boulevard para horrorizarlo, quebrarlo con su realidad y sus miedos.
A través de pasillos angostos, oscuros, opresivos (que recuerdan cuantiosamente a los de “Lost Highway”), se emprenderá la búsqueda de uno mismo. La actriz en busca de la persona. La persona en busca de la actriz. Y, sin saber cómo ni cuándo, ambas se fusionarán resultando imposible volver a la realidad o delimitarla.

Hay ciertas cuestiones que parecen recordar al “Videodrome” de Cronenberg, pero aquí todos esos detalles serán engullidos por el universo de Lynch, comprendiendo el misterio mejor que el mismo Hitchcock, llevados más allá de la frontera entre el bien y el mal, entre la locura y la cordura: entre la ficción y la sustantividad.

Sin incidir en el guión (o la relatividad del mismo), lo que hace aquí Lynch es matar al cine, matar una época en la que no existe complicidad entre director y espectador, entre sueño y vida, entre misterio y arrebato, entre muerte y renacimiento.

Surge lo que antes era, lo que debería haber resurgido hace tiempo. La senda hacia el sentido real de la gran pantalla.
Puedes sentarte, abrumarte, frenar el corazón con la brutal tensión, tratar de encontrar el misterio y el sentido, desvanecerte, dejarte llevar, interpretar, dejarlo de hacer, llorar, ilusionarte, doblegarte, aterrorizarte. Puedes mirar a esa enorme pantalla y verte reflejado, descubrir la nueva vida dentro de la vida, saber que el protagonista eres solamente tú y que la salvación estará supeditada únicamente a ti.

Es, en efecto, lo que le pasa al cine. Todo depende de nosotros, de que no seamos meros conejillos de indias sujetos a la carcajada fácil, aguardando en el purgatorio de la fábula, discreto escondite del infierno.

¿Ser o no ser? ¿Tener o no tener? Blasfemias.

David Lynch, haciendo caso omiso a los que tachan la obra como locura compleja, da un nuevo sentido (perdido hasta “INLAND EMPIRE”) al cine. Da vida al cine. Lo sacrifica con un puñal en el estómago, lo vomita forzosamente para engendrar el moderno (y antiguo) séptimo arte.

David Lynch, el único genio en vida, crea la primera Obra Maestra latente en nuestra gran pantalla: su culminación artística.

Calificación:

La Ciencia del Sueño

Sat, 21 Oct 2006 20:02:02 GMT

Ficha técnica

Título original: The Science of Sleep (La Science des Rêves)
Año: 2006
Género: Fantástico/Comedia/Romántica
Nacionalidad: Francia
Duración: 105 min.
Director: Michel Gondry
Guión: Michel Gondry
Música: Jean-Michelle Bernard
Fotografía: Jean-Louis Bompoint
Producción: Partizan Films / Gaumont / France 3 Cinema / Canal + / TPS Star
Reparto: Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabat, Miou-Miou, Emma de Caunes, Sacha Bourdo, Aurelia Petit, Pierre Vaneck.

Sinopsis

Stéphane, artista gráfico, se debate continuamente entre la realidad y el programa televisivo que se emite en el interior de su cerebro.

En la infancia, soñaba con un barco que me llevaba muy lejos, más allá del resto de la humanidad, junto con mi amor

En un intento de continuar con sus ideas visuales bizarras, ya establecidas en “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, Gondry trenza una historia en la que la ídem, precisamente, ocupa un segundísimo plano. Claro que, no estando presente Charlie Kaufman era de prever.

“The Science of Sleep” nos habla de la necesidad de soñar, crear nuestro propio mundo interior, para defendernos del aburrimiento del mundo exterior, de una realidad decadente y estancada en la rutina. Y de la necesidad de luchar por el amor. Una vez más.

El autor de la cachonda “Human Nature” lanza una propuesta visualmente interesante, pero con un guión un tanto carente de gancho y que se erige como un claro ejemplo de retomar la senda pasada creando una continuación con identidad propia.
Pero el motivo principal por el que un cinéfilo acude a visionar un film de Gondry es por ver cómo se las arregla sin el genio de Kaufman. Había que comprobar si el director francés es capaz de salir airoso de un proyecto cinematográfico con todo su peso, más allá de propuestas videocliperas para la MTV. Y, a su forma, posiblemente se está haciendo un hueco. Pero, aún siendo interesante, no logra desembarazarse de su pasado. Ni por el lado de Kaufman ni por el de la MTV.

Cuando uno se sienta a ver “La Ciencia del Sueño”, no puede evitar pensar en películas de la medida de “Punch-Drunk Love” de Paul Thomas Anderson o la propia “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” del mismo director que nos ocupa (aunque con la inestimable ayuda de uno de los guionistas más transgresores de los últimos tiempos).

Y es que la sombra de los maestros es demasiado alargada.

La propuesta de Gondry aquí es prácticamente la misma que la de su film anterior. Una peculiar, enrevesada, divertida y moderna forma de definir el romanticismo. Reinventar el género romántico. Sobrepasar sus barreras llevándolo todo al límite. Pero el invento ya está patentado. Y la irregularidad hace un excesivo acto de presencia.

Aunque, por momentos, la sensación de “déjà vu” deja en el espectador un ligero aura de sopor, que provoca determinados baches en el visionado del film y evita que sigamos la historia con total interés (los párpados pesan demasiado), es bien cierto que los momentos hilarantes, las situaciones y escenas extravagantes y los ingeniosos gags hacen que nos levantemos de golpe y empecemos a reírnos.
Su humor absurdo, metafóricamente surrealista, si bien ya está explotado, lo cierto es que genera situaciones rayanas en lo tronchante y delirante. Uno no sabe dónde meterse cuando Stéphane abre la boca para soltar una de sus brutales ocurrencias. Gael García Bernal realiza un trabajo estupendo, además de absolutamente distanciado a sus trabajos anteriores. Se muestra como pez en el agua en un terreno desconocido para él: el de la comedia absurda.
Pero no es él el único desquiciado mental de “The Science of Sleep”. El plantel de secundarios es una auténtica galería de “frikies”, que nos regalan frases y situaciones de lo más esperpéntico y risible

No es el apartado humorístico/ingenioso lo único destacable del film. Asimismo, el aspecto visual es netamente interesante. Desde decorados cartón/piedra, que simulan movimientos cercanos a un “stop-motion” enrarecido, hasta imaginería situacional de lo más curiosa.

Gondry se nutre de sus conocimientos para regalarnos una imagen para nada abusiva desde el punto de vista efectista, ni tampoco gratuita. Ejerce un gran poder revelador para seguir detalladamente el curso de la historia y de su significado.
Y termina por otorgar a la obra un carácter relativamente entrañable. Así se podría definir la última propuesta de Gondry. A diferencia de su anterior película, esta se centra más en la diversión y el optimismo. Menos melancólica. Más infantil (algunos dirán que peca en exceso de ingenua). Más tierna. Y, efectivamente, sin su magia ni genialidad.

Sí. “La Ciencia del Sueño” es simplemente un intento de continuar con la huella que un director pretende dejar. No por ello deja de ser entretenida e interesante, pero, pasado cierto tiempo, uno se olvida de lo que ha visto. Ni “Punch-Drunk Love” ni, por supuesto, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” dejan que nos olvidemos de ellas.
Gondry, en esta ocasión, no ha logrado dar el toque definitivo para convertirla en algo más. En una película mayor.

Se ha quedado en un intento, válido, pero intento relativamente fallido al fin y al cabo. Da la sensación de que el film carece de alma y, por tanto, de supervivencia más allá de nuestros ojos.

El tiempo dirá si su separación de Kaufman para ganar mayor protagonismo con sus films ha sido fructífera. O si, al contrario y como su compañero Spike Jonze, debería haber apostado por la genialidad y la “seguridad” del amparo de un guionista con talento innato. Pero… ¿alguien ha dicho que Gondry no lo pueda tener? Todo está por ver. Y todo terminará situándose donde merece.

Esperemos que no caiga en su propia trampa y deje su pasado para centrarse un poco en su propia personalidad de “cine de autor” que él mismo pretende crear.

Por lo pronto, ya se va ganando sus primeros defensores y sus primeros detractores. Punto obligado en todo director que se sale un poco de lo habitual.

Calificación:

La Fuente de la Vida (The Fountain)

Thu, 19 Oct 2006 11:58:12 GMT

Ficha técnica

Título original: The Fountain
Año: 2006
Género: Ciencia-Ficción/Fantasía/Drama
Nacionalidad: U.S.A.
Duración: 96 min.
Director: Darren Aronofsky
Guión: Darren Aronofsky, Ari Handel
Música: Clint Mansell
Fotografía: Matthew Libatique
Producción: Warne Bros. Pictures / Regency Enterprises
Reparto: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Sean Gullette, Sean Patrick Thomas, Donna Murphy, Mark Margolis.

Sinopsis

"The fountain" es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este film intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer.

Viajando entre los límites de la vergüenza y la fascinación

El propio Darren lanza en la presentación de su nuevo film el mismo aviso que yo mandaré a toda persona que lea este texto y esté interesada en “The Fountain”: si esperas ver un nuevo “Réquiem por un Sueño” u otro “Pi”, mejor abandona la sala.

Y el que avisa no es traidor. Para ver una película de semejante talante hay que ir predispuesto, preparado para abrir la mente sin complejos. Rezarse incluso varias oraciones. Relajación. Meditación. Lo que nos venga en gana. Pero nunca prejuzgar.

Sin poder obviar todos los clichés válidos para estos menesteres, mi opinión va en varias direcciones. A veces se cruzan, otras chocan. Algunas de ellas se alejan del resto y no vuelven. Muchas tienen poder embriagador, otras repulsivo.
Tarea difícil que alguien se haga una ligera idea, cuando uno realmente tampoco sabe qué decir. ¿Bien? ¿Mal? ¿Acaso regular? Ni uno ni lo otro. Todo eso y nada de eso.

Lo único que se nos exige es que dejemos todo a un lado y que tratemos de profundizar en el mensaje, complejo formalmente, que Aronofsky nos quiere lanzar. A lo mejor el mensaje lo tendremos que arrancar nosotros. No quedará otra opción. El resto… cuando aparezcan los créditos finales.

El director de “Pi” corre un riesgo elevadísimo creando este film. No sólo se expone a la dureza de la crítica, sino a que gran parte del público únicamente vea tonterías de circo ambulante.
Seis años le llevó culminar el proyecto. Seis largos años en los que el mundo del cine y el suyo propio han avanzado a pasos agigantados. Hubo suficiente tiempo para que Brad Pitt (uno de los actores del plantel inicial) se largara, para que el estratosférico presupuesto se redujera considerablemente, para que rechazara proyectos como el de “Batman Begins”… y para que la gente se aburriera y le mandara a recoger setas.
Lo dicho. Mucho riesgo. Y más para un director con tan poca trayectoria, aunque sí mimada por la crítica y amparada por el público. Arma de doble filo para el ego de Aronofsky.
Ego que se dispara hasta límites cercanos a lo prohibido, creando una película tan pretenciosa como lisérgica, emocionante, épica, alucinante y peligrosamente cercana a la exposición del ridículo más espantoso de la historia del cine.

Emociones confrontadas de nuevo. Por ver cómo el calvo futuro de Hugh Jackman trepa el árbol como si de un mono se tratase. Por ver cómo el tono místico del film parece escaparse de las manos por momentos. Por ver cómo el aire épico se busca, se pretende y se magnifica con el abuso presencial de la música (por otro lado, excelente) y los impresionantes efectos visuales. Por ver cómo Rachel Weisz (pareja del director en la actualidad) pasa de lo precioso a lo simplemente correcto, al igual que un ligeramente acartonado Hugh Jackman. Aunque suficientes para lo que se nos quiere contar, más general que detallado.

Pero confrontadas también, como digo, por ver unas escenas tan arrebatadoras y elevadoras. Por sufrir tan de cerca una historia de amor tan fuerte, trágica e inevitable. Por tratar un tema tan interesante como peliagudo de una forma nada gratuita en el fondo. Y por hacernos partícipes obligados y reflexionar. Como el cine de verdad, el buen cine.

Así, si no te esfuerzas por comprender la película, no habrá película. Únicamente verás sucesiones de tonterías, bien disfrazadas estética, formal y musicalmente, pero tonterías fuera de comprensión alguna al fin y al cabo.

Lo que busca Creo (Hugh Jackman) en cada uno de sus tiempos, es lo que buscamos nosotros constantemente a lo largo de la historia. La vida eterna, ese dichoso “cáliz” que cura y protege, visto dicho elemento desde la perspectiva religiosa (o cultural) que proceda.
Y lo más importante. Busca una escapatoria, huir de la tan temida muerte. Para sanar el cáncer de su amada, pero para beneficio propio también. Pero no se puede huir de lo inevitable, ni se puede buscar lo que no existe.
Y si por alguna razón existiera… ¿sería lo que nosotros creemos? ¿Sería Xibalba la estrella del continuo renacer o la de la aceptación de la muerte y la desaparición? ¿Sería el árbol de la savia eterna el que nos da vida o nos da la muerte/vida haciéndonos formar parte irremediable de nuestro planeta?

Mientras Creo permanece irascible y su locura va a más en la búsqueda del medicamento para curar a su mujer del cáncer terminal (paralelismo que se puede establecer tanto en su presente como en su futuro), ella hace tiempo que ha aceptado su muerte. La toma simplemente como una continuación lógica, y lo único que desea es que su marido termine por ella lo que quedó inconcluso. Que comprenda para poder avanzar. Es la única forma de perdurar y entender: aceptar la muerte como parte inseparable de nuestro ser, como la vida misma.
Pero Creo niega su realidad, no la acepta. El dolor es muy fuerte, la pérdida de su amada y la frustración invaden su alma. Se queda ciego. Deberá buscar la salida a ciegas, mediante la intuición y el saber.
Así las raíces del árbol se mantendrán erguidas (inolvidables las escenas del futuro en las que se eriza el bello del árbol). Podremos morir en paz.

Pese a todo, de nuevo aparecen ante mí sensaciones confrontadas.

Bien es cierto que en el fondo es un mensaje un tanto moralista, que nos lo conocemos a la perfección. Pero el envoltorio es muy atractivo si te dejas llevar. Y dicen que en el cine todo está inventado… menos la forma de contarlo. Y el film que nos ocupa puede ser de todo, pero también lo es interesante e innovador.

Si intentas tomártela en serio, haces caso omiso a monos trepando árboles, situaciones esperpénticas varias y excesos formales o esotéricos/místicos, y olvidas que el tratamiento de la banda sonora recuerda al de “La Joven del Agua” de Shyamalan por el excesivo abuso de la misma para engrandecer el carácter épico del film (¿pretencioso?), seguramente llegarás a comprender el porqué de su existencia, su búsqueda y su reflexión. Hará que te sientas parte de la misma. A lo mejor hasta te deja boquiabierto.

Se puede intuir incluso otro delicado parecido. Formalmente existe un ligero acercamiento a la poesía de Tarkovsky (¿involuntario o voluntario?), obviamente con un fondo mucho más simple y menos metafísico. Pero, por mucho que pretenda, Aronofsky nunca será Tarkovsky. Ni mucho menos.

En definitiva, y dejando a un lado ideas/asociaciones del film, en tus manos está el calificar la película como impresionante, interesante o ridícula.

¿Espantosa, pretenciosa, vergonzosa, preciosa, reveladora? Tú tienes la última palabra.

Calificación:

La búsqueda de la vida eterna… la no aceptación de nuestra condición humana… ¿el temor a la muerte?

C.R.A.Z.Y.

Sun, 10 Sep 2006 19:32:22 GMT

Ficha técnica

Título original: C.R.A.Z.Y.
Año: 2005
Género: Drama
Nacionalidad: Canadá
Duración: 127 min.
Director: Jean-Marc Vallée
Guión: Jean-Marc Vallée, François Boulay
Música: Varios
Fotografía: Pierre Mignot
Producción: Cirrus Communications / Crazy Films
Reparto: Michel Côté, Marc-André Grondin, Danielle Proulx, Émile Vallée, Pierre-Luc Brillant, Maxime Tremblay, Alex Gravel, Natasha Thompson.

Sinopsis

C.R.A.Z.Y. narra el relato de un niño, y luego el de un adolescente "diferente", que renegará de su naturaleza más profunda para no perder el amor de su padre. De 1960 a 1980, rodeado de sus hermanos, de Pink Floyd y los Rolling Stones, entre las vueltas en moto para impresionar a las chicas, los porros fumados a escondidas, las grandes y pequeñas discusiones y, sobre todo, un padre al que intenta volver a encontrar con desesperación, Zac nos cuenta su historia.

Ser o no ser… puede que esa sea la cuestión

Por cómo evoluciona el cine y se agotan sucesivamente ideas, tramas o historias, en los tiempos que nos atañen no hace más que repetirse la constante de que lo importante no es lo que estás contando, sino cómo lo estás contando. “C.R.A.Z.Y.”, pese a ser consciente de que se acerca demasiado peligrosamente a la repetición de fórmulas ya previamente establecidas, sale muy airosa de lo que puede verse como un ejemplo de lo anteriormente citado.

Jean-Marc Vallée no se corta a la hora de narrarnos las etapas de crecimiento de un joven muy al estilo de lo que lo hiciera su fallecido compañero Lauzon en “Léolo”. El director canadiense (para más inri), lo cierto es que logra un resultado ciertamente interesante, influenciado por una notable aureola psicodélica, casi extravagante y marcadamente hippie.

Aquí, la represión y la negación de la realidad de uno mismo, evoluciona a medida que lo hace la moda y música más puramente sesentera/setentera: pantalones acampanados, ropa difícilmente etiquetable a la sexualidad de quien la porta, ceremonias religiosas al ritmo de los Rolling Stones, fumadas y “colocones” antológicos presididos por Pink Floyd y su psicodelia, discusiones familiares y, sobre todo, dudas personales, íntimas e intransferibles.

Nuestro narrador particular de la familia se trata de Zac, un joven típicamente problemático, con sus dudas y sus necesidades. A nadie se le escapa que el resto de la “alocada” descendencia (ya sabréis a su debido momento por qué eso de entrecomillar la palabra) también posee sus problemas. Pero nuestro apoyo más cercano es lógicamente Zac, el que nos cuenta lo que sucede a lo largo de su vida en su entorno familiar.
En un círculo paternal tan puramente conservador y religioso, nuestro peculiar vástago, se perfila como el clásico bicho incomprendido. Desde muy niño, las dudas respecto a su orientación sexual no hacen más que traerle por la calle de la amargura, y aún sin estar seguro de nada, se niega a sí mismo su condición, decide reprimirse para recuperar a su padre.

Así, Zac crece, en diferentes épocas, a diferentes ritmos (bellísimo el momento “Space Oddity”) y con diferentes caballos pisándole los talones: la drogadicción de su hermano, el conocimiento de su cuerpo, la búsqueda de una sexualidad desconocida (tanto masculina como femenina), la fuerte religiosidad familiar que le conduce al mismísimo Jerusalén (momento crucial en el que el director se adentra en terrenos tan místicos como pantanosos), y la desesperación por una estabilidad que no llega.

Es, ni más ni menos, que la historia de un crecimiento, de toda una aventura en constante evolución y con constantes baches. Nos habla de las clásicas discusiones familiares que hacen que nos encontremos a nosotros mismos, con nuestras frustraciones y nuestros errores.
Es la vida, la familia, la música con la que hemos evolucionado, las dudas con las que hemos convivido… y los momentos que nunca dejaremos atrás. Los nuevos caminos se suceden una y otra vez… y esos caminos, creamos o no en ellos, son inescrutables.

Es cierto que lo básico y, en ocasiones, lo previsible o lo extremadamente risible/absurdo, salpican a la obra haciendo que se torne un tanto excesiva en cuanto a metraje, y logre despertarnos algún que otro bostezo. En ese aspecto, es un film que adolece excesivamente los cambios de ritmo, uno se termina dando cuenta que peca de irregular y que, en ocasiones, se sale un poco de contexto.
La mezcla de niño con ingenio (véanse los sueños que transportan a nuestro personaje a un mundo onírico que, inevitablemente, nos recuerda a “Léolo”) y la evolución por etapas al más puro estilo “Casi Famosos” (básicamente por el entorno en el que se nos sumerge), hacen que lo que, a priori, se trataba de algo original, no lo sea realmente tanto.

Pero con todo ello, no se puede negar que es una película interesante, tratada con mucho acierto, con una musicalidad y una aureola que no se te van de la retina en mucho tiempo, con escenas plausibles, un humor de lo más fino y una sinceridad que invita a la reflexión y la nostalgia en muchos aspectos. Todo detallado y dosificado por un reparto desconocido, pero que raya a un nivel perfecto de credibilidad.

Y lo más importante: pese a puntos aparentemente débiles como la trillada narrativa conflictiva familiar en un determinado entorno/época y con una determinada creencia/cultura (desventaja de la que, sin duda, el director es conocedor) o un ritmo irregular que asciende tan fácilmente como desciende en lo respectivo a la atención del espectador, “C.R.A.Z.Y.” es un film que acapara la ídem del mismo.
Sencillamente, aprovecha sus errores para convertir lo poco original en original e interesante, en un drama ingenioso con fuerte carga simbólica y grandes dosis de “magia”, con un halo especial y la sensación de que, pese a estar viendo algo no del todo nuevo, resulta innovador y fresco.

Por mucho que lo intentes, “C.R.A.Z.Y.” no se borrará de tu memoria en un tiempo, pues, a fin de cuentas, pertenece a nuestra propia historia. Como Léolo intentando escapar de su inevitable “degeneración”. Claro que, no comparemos la una con la otra, ya que como rezan por ahí: las comparaciones son odiosas.
Calificación:

Hostel

Wed, 05 Apr 2006 08:29:45 GMT

Ficha técnica

Título original: Hostel
Año: 2006
Género: Terror
Nacionalidad: U.S.A.

Duración: 95 min.
Director: Eli Roth
Guión: Eli Roth
Música: Nathan Barr
Fotografía: Milan Chadima
Productora: Lions Gate Films
Reparto: Jay Hernandez, Derek Richardson, Eythor Gudjonsson, Barbara Nedeljakova.

Sinopsis

Paxton y Josh, dos jóvenes norteamericanos amigos de la universidad, recorren Europa con sus mochilas junto con Oli, un islandés que conocen en el camino. En Eslovaquia conocen a Natalya y Svetlan, dos exóticas bellezas con las que se distraen... para aparecer atrapados en un siniestro y lúgubre sitio. Su angustiosa situación, como descubrirán más tarde, es tan profunda como el más oscuro y enfermizo recoveco de la propia naturaleza humana... si sobreviven.

Invitaciones para el hostal de los horrores... ¡sed bienvenidos!

Eli Roth, apadrinado nuevamente por un personaje importante, en este caso el inefable Quentin Tarantino, insiste en llamar la atención y crear polémica de cualquier forma posible para atraer a los espectadores al visionado de sus obras.
Cuando no hay mucho más que ofrecer, lo más práctico suele ser acercarse a gente con renombre o llamar la atención intentando sembrar el pánico. Ambos casos se dan en la persona de Eli Roth.

En su debut cinematográfico, “Cabin Fever”, estar amparado por la figura de David Lynch fue un punto muy a su favor.
Al observar que el nombre de un genio como Lynch está implicado, de alguna forma, en el proyecto, muchos se lanzarán a visionarla, aunque simplemente sea por mera curiosidad. Y esa está siendo su gran baza.

Lo cierto es que Eli Roth necesita una poderosa campaña publicitaria de acompañamiento para que sus films no pasen desapercibidos y se queden en el más absoluto de los olvidos.
Estar producido por un controvertido director, crear un revuelo relativo a la terrible y polémica temática de la película y pregonarlo por los cinco continentes es, sin duda, una forma muy efectiva de lograr su interesado propósito.
Y es que el joven director no es más que otro fan de lo grotesco, seguidor acérrimo del culto cercano a lo que a día de hoy se denomina “friki” y perseguidor de la fama en los periódicos y revistas mundiales que quiere hacerse ver en el mundo del cine. Un mundo que, de una u otra forma, le atrae.

Capta fans, alimenta su ego, gana dinero y se labra un polémico futuro para poder facturarse sus siguientes proyectos. Sí, lo ha conseguido gracias a que los espectadores caemos en su trampa. El daño está hecho.

Ya se nos venía vendiendo “Hostel” desde hace bastante tiempo como una de las películas más violentas y brutales de los últimos años, algo no apto para los estómagos más sensibles. Y, en efecto, algo de eso hay. Pero, como suele ser habitual, la publicidad lo eleva todo a un límite cercano a lo desproporcionado.

Como decía, ideas propias muy pocas. Por no decir ninguna. Pero lo poco que se tiene hay que exprimirlo al máximo. Y Eli Roth ha sabido sacarle jugo.

Mientras que “Cabin Fever” se trataba de un conglomerado de los elementos de muchos directores que trataban el terror desde un punto de vista diferente (véase el propio David Lynch, Cronenberg, Hooper, etc.), convirtiéndose en un producto aparentemente tan atrayente como poco original, “Hostel” es una obra mucho más sencilla, directa en determinados aspectos.

Lo que en un principio se presenta sorpresivamente como una película puramente adolescente y desenfadada, de esas que hacen pensar que para reflejar la vida social de los jóvenes no hay más que desarrollar la trama en base al sexo (o mejor dicho, a las ganas de obtenerlo) y a la fiesta, lentamente se irá convirtiendo en la explícita película que en realidad es.
Así, el recorrido de los descerebrados de turno (que les conduce a Eslovaquia) se presenta como una paraíso para aquellos que sueñan con disparar de la forma más fácil y gratuita sus hormonas.
Impresiona la facilidad con la que logran todos sus anhelos. Y ese sube y baja de descontrol y diversión queda reflejado en la pantalla de una forma puramente irreal que logra acercar a cualquier turista en busca de sexo fácil. Todo un panfleto para los más planos de mente. Y efectivo, claro.
Aunque, evidentemente, más que impresionar, tal alarde de facilidad nos hace dudar.

Un poco más de lo normal (mientras el espectador vislumbra una y otra vez los desvaríos de los protagonistas) tarda en llegar el punto de inflexión del film. Pero llega.
Entonces, lógicamente, la brutalidad nos acosa y ya no nos dará respiro.

A la misma velocidad que los personajes van desapareciendo, el clímax de violencia va aumentando sus cotas. Y, entonces, la velocidad de los sucesos sí que resulta extrema. No hay concesiones de ningún tipo. Eli Roth intenta que nos sumerjamos en ese ambiente lúgubre sin retorno posible. Y si lo hay, nuestro recuerdo impedirá que podamos escapar de allí.

Se descubre la verdadera trama, y las torturas, vejaciones y brutales e incoherentes palizas no dejan de sucederse. Algunos logran escapar, pero se llega a plantear si realmente merecía la pena el haberse escapado.
El ejemplo más claro se trata el de la oriental que forma parte de la escena más “insoportable” del film y que la mayoría ya reconocerá al vuelo. Ejemplo que nos hace reflexionar, incluso, sobre la importancia que hoy en día se le da al físico.

Si te miras a un espejo y te ves deformado, mutilado o despojado de una de tus partes visibles... la vida no puede seguir. Es demasiado pesado y doloroso acarrearlo durante todo una existencia.

La película parece guardar cierto apunte de interés social, pero que tan pronto como asoma su cabeza, la vuelve a esconder bruscamente. Una simple concesión para la galería que, por otro lado, nos hace reflexionar sobre la violencia y el sinsentido en el que el mundo se está convirtiendo. Ya no se sabe si uno actúa así por puro placer, divertimento, frustración o por causas que el mismo individuo infractor desconoce.

La violencia está en cualquier esquina esperándonos. Como la pandilla de niños de Bratislava.
Pero no nos engañemos ni busquemos cinco patas al gato. La película es sencillamente un museo de violencia, de intriga y de alta tensión que puede engancharnos al sofá tan fácilmente como hacer que nos levantemos de él o miremos hacia otro lado.
Su premisa, pese a apuntes posiblemente sociales, es tan simple como la de provocar al espectador. Pero el eterno buscador del terror perdido en los films que no se engañe. Aquí terror no hay. De ambientación, bestialidad y suspense sí que obtendrá buenas dosis. Pero hasta los seguidores más acérrimos del “gore”, del que se jactaba la publicidad de la película que nos ocupa, se sentirán decepcionados por la escasez de contenidos (exceptuando un par de escenas).

Lo que está claro es que los estómagos sensibles y los corazones fáciles de impresionar sentirán náuseas en más de una ocasión. Se hace insoportable no visualmente, sino psicológicamente.

En definitiva, un film absolutamente plano, sencillo, prescindible, gratuito y desagradable que lo único que puede ofrecer es entretenimiento y tensión. No nos dice nada nuevo y la palabra “idea” brilla por su ausencia.
Posee una factura interesante, unas interpretaciones creíbles, una ambientación muy lograda y un in crescendo de la historia que va degenerando más y más en lo que es previsible como final.
Sin ir más lejos, seguramente el propio Tarantino vio más que saciado su violento paladar. De hecho, la película bebe mucho de la violencia más pura del director de “Reservoir Dogs”.

Dejémoslo todo en una moda pasajera que en realidad es. Exactamente de la misma forma que impera el cine de Tarantino en nuestra época.

A lo mejor le encuentran mucho más interés los seguidores de últimas películas como “Saw” (que, en comparación a ésta, hasta podrían parecer grandes joyas) o similares. Desde luego, es una nueva y extendida oleada que parece tener cabida en el concepto contemporáneo de cine.

Todo se olvida, y el hostal, poco a poco, irá perdiendo clientes. Más adelante, a lo mejor las reservas se van agotando nuevamente. Todo es cuestión de observar nuestro avance y esperar a la evolución de los paladares del espectador. Nunca se sabe.

Mientras tanto vamos a seguir torturando. Si es posible a americanos, que, como en el film, valen más puntos (sátira de humor negro patrocinada por los creadores de “Hostel”).

Lo que está claro es que no nos dejarán de sorprender. Y la publicidad engañosa tampoco.

Calificación:

Manderlay

Sun, 02 Apr 2006 14:45:48 GMT

Ficha técnica

Título original: Manderlay
Año: 2005
Género: Drama
Nacionalidad: Dinamarca
Duración: 139 min.
Director: Lars Von Trier
Guión: Lars Von Trier
Música: Joachim Holbek
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Producción: Zentropa
Reparto: Bryce Dallas Howard, Isaach De Bankolé, Danny Glover, Willem Dafoe, Michael Biteboul, Lauren Bacall, Jean-Marc Barr, Geoffrey Bateman, Virgile Bramley, Ruben Brinkman, Dona Croll, Jeremy Davies, Llewella Gideon, Mona Hammond, Ginny Holder, John Hurt, Emmanuel Idowu, Eljko Ivanek, Teddy Kempner, Udo Kier, Rik Launspach, Suzette Llewellyn, Charles Maquingnon, Joseph Mydell, Javone Prince, Clive Rowe, Chloë Sevigny, Nina Sosanya.

Sinopsis

Tras su tormentosa estancia en Dogville, Grace Margaret Mulligan (Bryce Dallas Howard) se dirige con su padre a Manderlay, una pequeña plantación en Alabama donde Grace verá con sus propios ojos la injusticia de la esclavitud.

¿Quién da valor y sentido a la democracia?

Vuelve el tirano. Vuelve el ególatra. Pero también vuelve su genialidad, su gran acierto y su capacidad reflexiva.

Vuelve Lars Von Trier. Y vuelve a atacarnos con sus salvajes mensajes morales.

Tras la primera y controvertida entrega de su trilogía sobre Estados Unidos (“USA, Tierra de Oportunidades”), “Dogville”, el carismático director danés vuelve a la gran pantalla con “Manderlay”.
La película fue presentada en el pasado Festival de Cannes, y a partir de ahí ha comenzado su periplo de presentación a lo largo de Europa, logrando muy buena acogida en determinados lugares... y un cierto temor y rechazo en otros (¿adivináis cuáles?).

Lars Von Trier, en su afán por sembrar la polémica allá donde sea necesario y sin atender a ningún tipo de clemencia, continúa su particular “moraleja” en el punto en el que terminó la primera “Dogville”. Pero desde entonces muchas cosas han cambiado.
Nicole Kidman ya no es Grace, ahora ocupa dicho puesto Bryce Dallas Howard. Y tampoco James Caan es su padre, ahora lo es el polifacético Willem Dafoe.
Es harto complicado que algún actor soporte dos películas seguidas con Von Trier, de lo contrario que se lo pregunten a Björk.

Pero la historia sigue su curso. Grace (con la compañía de su padre y sus “gángsters”), tras mostrar su verdadera cara en Dogville, prosigue su iniciático y supuestamente inocente andar hasta toparse con Manderlay, un lugar en el que, a pesar de los pesares, la esclavitud aún impera presidida por la estricta Ley de Mam. Y, cómo no, nuestra protagonista se establece allí con el desinteresado deseo de arreglarlo todo y de que las injusticias y opresiones dejen de hacer gala. Pero, a lo largo del tiempo, se verá que los resultados son totalmente opuestos a los que ella esperaba.

Poco más de dos horas harán que nuestra querida Grace, su ego, su conciencia y su deseo intrínseco de autoridad, se den cuenta de que no es suficiente con querer suplantar toda una cultura y querer imponer la de uno mismo para cuestionar el buen estado de una población.
Así, en esta ocasión, Grace se presenta mucho más como una especie de líder, pero, al contrario que en “Dogville”, es ella misma quien trata de forzar su poder, no trata de ganárselo como lo hizo en el primer capítulo. Da la sensación de que el pueblo no ve en Grace a aquélla inocente que apareció, tratando de escaparse, en Dogville. Ahora cree mucho más en sí misma y sus convicciones (sean reales, fingidas o simplemente autocomplacientes), logrando que el desarrollo de la historia, en ese sentido, sea totalmente inverso al de su antecesora.

Por ello, se puede ver cómo desde casi un primer instante (a partir del momento en que se siente cómoda e integrada en la población), nuestra protagonista trata de “abrir los ojos” a una gente que estaba totalmente sometida y no se veía capaz de evolucionar en su estado de falta de libertad y desprovistos de todo tipo de amparo o licencia. Grace y su condición ética y humana se ven en el deber de ayudar a esa pobre masa inculta, de educarles, redescubrirles y hacerles probar el verdadero sentido de la democracia. Seguro que ellos están preparados. Y si no es así, mano dura.

Lo cierto es que en “Manderlay” a Trier se le ve mucho más el plumero que en “Dogville”. Mientras ésta última era totalmente universal, ciertamente ambigua y nos sometía a una reflexión personal moralmente brutal (sobre todo por su muy polémico final desde el punto de vista ético), “Manderlay” está encerrada en un círculo netamente menor. Se ve reducida a un entorno que huele a podrido hasta decir basta (refiriéndome con esto a EEUU, por supuesto) y en el que toda crítica tiene cabida.
Y es que el director acusa una cierta falta de tino al abordar el tema con una mayor objetividad y dejándonos a nosotros todo ese trabajo. Da la sensación de que quiere posicionar de su lado demasiado descaradamente al espectador (aunque en el fondo sabemos que su carácter ególatra está deseándolo cada instante), cosa que no sucedía en “Dogville”. Parece que su postura crítica le ha perdido un pelín, y lo que gana siendo directo lo pierde en sutilidad.

A pesar de esos pequeños errores (muchos de ellos debidos a la personalidad del propio director), la encarnizada, audaz e irónica crítica esconde un mensaje que todos nosotros deberíamos comprender y tratar de aprender.
La postura ideológica de Trier posee una lucidez que hoy en día apenas se ve en el cine. Tendríamos que mirar hacia la Europa de unos años atrás para establecer comparaciones al respecto.

El controvertido autor (junto a otros nombres) del movimiento “Dogma 95” (que ya de por sí era polémico) ataca sin contemplaciones a un país que define como falso, hipócrita y desconsiderado. Lo que en “Dogville” era más global, aquí es un ataque central (y frontal) contra la falacia de U.S.A. Contra esos líderes que crean una democracia personalizada e interesada, robando su verdadero significado y reduciéndolo al de una especie de dictadura silenciosa. Contra ese sistema de votos cuyo valor se ve en entredicho en cuanto se atisba la diferencia entre la verdad y el número de votaciones, simple resultado de una condición humana egoísta, manipuladora y destructiva que, ante una complicación o diferencia ideológica, establece la más cruenta condena o la más rápida y sencilla pena de muerte.

De esa forma, Grace representa el verdadero ejemplo del héroe americano que acude, a pesar de que nadie le de vela en ese entierro, a salvar a la gente sumida en la totalidad de la pobreza y gobernada por tiranos que despojan su condición humana con actos atroces y vejatorios. Tratan de imponer sus normas sociales y políticas de convivencia sin atender a su cultura anterior ni a los comportamientos o tradiciones, ni preocuparse por el pueblo ni preguntar si realmente querían cambiar su estilo de vida o era el que deseaban y se veían incapaces de afrontar un cambio tan brusco.
Así, el poblado, impotente frente a algo que no lograba comprender y viendo cómo el cambio se le escapaba de las manos y le resultaba imposible asimilar en tan poco tiempo, termina aseverando que todo pasado fue mejor y que más vale malo conocido que bueno por conocer.

Por una vez en las últimas obras de Trier, la personaje protagonista no sufre lo indecible para llegar a su ansiada meta, al menos en el aspecto físico, ya que en el mental sí que se vislumbra un sufrimiento más contenido, detonante de la decepción interesada para con su persona.

Al respecto, cabe decir que la sombra de Nicole Kidman es relativamente alargada. Su garra y potencial en “Dogville” era mucho mayor que el de la frágil Howard (pese a que los papeles requieran o no una actuación u otra), que dentro de una contención oportuna las mata callando. Desde luego, no se puede negar que la hija del inefable Ron Howard (al igual que el resto del reparto) raya a gran nivel.

El esquema del film es exactamente igual al de su antecesora en el aspecto formal y estructural. Una fábula, con narrador incluido, que se nos cuenta de una forma amena y dividida en capítulos.
En una “moraleja” envuelta de sarcasmo e ironía, Lars Von Trier traza la historia de Grace, su llegada, el establecimiento, la convivencia y su posterior marcha de Manderlay como si una obra de teatro se tratase, con el ya conocido y polémico escenario básico dibujado (aunque no obtenga el protagonismo de la primera entrega), sus juegos luminosos y su música de Vivaldi (saltándose a la torera, como es habitual en él y según le convenga, sus propias reglas establecidas para el movimiento “Dogma 95”), que lo impregna todo de un ambiente engañosamente tranquilizador.
Para el espectador virgen en materia supondrá una apuesta chocante, pero para los conocedores de su anterior entrega, en ese aspecto, no supone ninguna novedad.

En definitiva, una obra que, sin llegar a la genialidad de su antecesora, sí que resulta interesante a modo de reflexión obligada a la hora de plantearnos nuestras actuaciones morales y condiciones democráticas.
La claridad de Trier es aplastante al respecto, y su discurso moral intachable. Todo eso, junto con su ironía pasada totalmente de rosca (atentos a los créditos finales con “Young Americans” como fondo... vaya mala uva que se gasta el muy cabrón), logran esbozarnos una sonrisa, amén de profundizar en nuestro foro humano, social y político más interno.
Podríamos decir, por tanto, que a su favor posee el tratamiento de un tema tan controvertido de una forma bastante inteligente, sin resultar pedante, ágil, reflexiva y lúcida. Nos obliga realmente a aprender. Y, pese a su duración, sin ser tan extensa como la de “Dogville”, se digiere con suma facilidad.
Y un dato muy interesante. No trata el racismo como tal, ni por diferencia de raza, color o similares, sino que se abre más a las condiciones humanas de la democracia y su límite de alcance y credibilidad. Es algo que realmente se agradece con lo que nos viene últimamente.

Sin embargo, también se le puede achacar una cierta y evidente parcialidad que estropea un poco la austeridad de su mensaje, y una apariencia centrada y cerrada únicamente en la crítica a EEUU que hace que no podamos universalizar tanto como “Dogville” su intención.
Y, por supuesto, su puesta en escena y su estética es poco original y rompedora, ya que lo hemos visto ya con anterioridad, pero, siendo uno realista, no resulta casi relevante, ya que los personajes están lo suficientemente perfilados como para que nos olvidemos del resto. De hecho, ésta era la idea “ahorradora de atrezzo” del director danés.

A lo mejor a muchos les resulta insoportablemente pretenciosa. Qué se le va a hacer. Es lo mínimo que podemos esperar de un tipo como Trier... a lo mejor el director más pretencioso y ególatra del momento.
Pero sus resultados logran que nos olvidemos y podamos perdonárselo (casi) todo.

Una auténtico manotazo a lo que algunos países denominan democracia. Todo un ejemplo de ironía, lucidez e imágenes que superan el sarcasmo dentro de una temática muy controvertida y, por tanto, para muchos será motivo, por ello, de rechazo y malestar.

Hay que reconocer que el bueno de Lars se ha pasado en determinados momentos.

Por si acaso, y para no agobiarnos con tanto tratamiento político que ha inundado últimamente el cine, Lars Von Trier ha decidido retrasar el rodaje de “Wasington” (sin “h”), la última entrega de la trilogía. Y creo que ha sido una idea acertada.

Calificación:

Destino Final 3

Sun, 02 Apr 2006 09:14:33 GMT

Ficha técnica

Título original: Final Destination 3

Año: 2006

Género: Terror

Nacionalidad: U.S.A.

Duración: 92 min.

Director: James Wong

Guión: James Wong, Glen Morgan

Música: Shirley Walker

Fotografía: Robert McLachlan

Productora: New Line Cinema

Reparto: Mary Elizabeth Winstead, Ryan Merriman, Harris Allan, Alexa Johnson, Sam Easton, Kris Lemche.

Sinopsis

Una estudiante del instituto (Winstead) tiene una premonición sobre una tragedia en un parque de atracciones local, por lo que decide no montarse en una montaña rusa que presiente va a descarrilar...

Destino Final 3: ¿El desatino final?

Cuando uno paga una entrada para el cine (con todo lo que conlleva hoy en día), al menos espera encontrarse con un mínimo entretenimiento. Por muy superfluo y banal que resulte.

Pero hay ocasiones, los últimos años demasiadas, en las que uno recibe la bofetada de la realidad más triste e hiperbólica. “Destino Final 3” es uno de los productos que con mayor facilidad nos acerca a la definición más exacta de “bodrio”. Lo que se le roba al cine al menos nos ayuda a recrear gráficamente las definiciones de la Real Academia Española.

Aquí, hasta el divertimento esconde su cabeza por vergüenza a ser reconocido. No se puede realizar una crítica extensa sobre este film, ya que no hay nada que reseñar, y mucho menos positivo.
Salvo el aspecto puramente estético y efectista, en el que se evidencia su elevado presupuesto (¿qué cerebro ególatra podría malgastar tanto dinero privándonos injustamente de la posibilidad de invertirlo en proyectos mucho más interesantes y, sobre todo, inteligentes?), el resto es absolutamente anodino y rayano con la estupidez.

Tenemos al grupito de adolescentes (a veces no tanto) estadounidenses tópicamente contemporáneos, los hormonados y guaperas que vemos en todas las películas de esta calaña. Eso sí, ahora con un poco más de variedad, ciertamente divididos entre “pijos” adinerados, porción selecta de la sociedad más puramente elitista, y “macarras”. O, mejor dicho, “macarras pijos”.
Cogemos una batidora, unimos a los protagonistas del accidente de avión con los del accidente de la autopista, aderezamos las ideas de los primeros con la brutalidad de los segundos, y obtenemos los rompedores personajes de la montaña rusa.
Sólo que aquí se estrujan menos la sesera y no construyen las teorías ultra-inteligentes y elaboradas que realizaban sus compañeros de anteriores entregas para burlar a la muerte (¡quién fuera muerte para pasar un rato tan tronchante a costa de esa gentecilla!).
Parece que la película quería ser más realista y retratar con mayor veracidad la sociedad llana y sencilla del país.

La película es una vuelta de tuerca y una copia de todos los elementos de las dos entregas anteriores. Y si éstas eran ya prescindibles, la tercera se queda en algo puramente absurdo e irrelevante.
No posee el aliciente “novedoso” (si a eso se le podía denominar así) de la primera, ni la brutalidad salvaje y “gore” de los accidentes de la segunda, que contentaba a los fans más acérrimos de la galería más morbosa y violentamente atrayente.
Es, para más inri, un compendio suavizado de ambas y nada arriesgado.

Eso sí, algunos accidentes, sin ser tan espectaculares ni salvajes como los de la segunda entrega, sí que contentarán a los seguidores de lo gratuito. Pero en este film hasta eso se ve reducido a momentos.
Y nos conduce, como su ansiado final, a una nueva situación de “déjà vu” e intuición de lo que va a suceder. La única escena que puede definirse como “idea”.

Uno se plantea si, ante películas como ésta y por cómo está degenerando el cine, debería retirársele al mismo la definición de “séptimo arte”. Al menos películas como “Destino Final 3” no deberían englobarse en dicho concepto.
Por fortuna, aún tenemos soplos de aire que nos permiten respirar y disfrutar del verdadero sentido del celuloide.
Aunque cada vez se vayan diluyendo más y más. Dicen que la esperanza es lo último que se pierde, por muy desoladora que sea la situación. Esperemos que no haya que declarar todavía el estado de alarma.

Tampoco es necesaria una crítica aclaratoria en relación a lo que te atienes al ver una película de tales características. Creo que los buenos entendedores (vamos, los que saben simplemente leer) al ver el cartel ya saben lo que hay en su interior.

Eso sí, nunca vendría mal un aviso de que, como el tabaco y drogas similares, perjudica seriamente nuestra salud.
Pero cada cual es responsable de sus actos, y si se desea entrar al cine dejando la masa encefálica en la cola de la taquilla, lo cierto es que está en su perfecto derecho. Su médico, posteriormente, opinará al respecto.
Su recaudación en nuestro país, casi análoga al taquillazo del otro lado del charco, deja en entredicho nuestro supuesto avance en determinados aspectos y evidencia el gran parecido que tenemos con los citados compañeros ancestrales cuadrúpedos.

Es, evitando generalizar (si a estas alturas eso es posible en el mundo del cine, por los derroteros que ha tomado y porcentajes mayoritarios que ha adquirido), lo que nos ofrece el paso del tiempo y la instauración de nuevas generaciones.

No perdamos más el tiempo. No lo merece.
Simplemente demos las gracias a James Wong por retomar la dirección de la primera entrega y aclararnos que lo suyo no es una casualidad y que es todo un experto en las definiciones gráficas.

Definición de “bodrio” por parte de la RAE: “Cosa mal hecha, desordenada o de mal gusto”. Vamos a ir colocando otra imagen de una película a su lado.

Calificación:

Diez años sin Kieslowski – In Memoriam

Mon, 13 Mar 2006 08:51:47 GMT

Agosto de 1995. Kieslowski sufre un infarto y se ve obligado a someterse a una operación de corazón (ya la segunda por aquél entonces) en la que le implantan un by-pass. De poco sirvió. El 13 de marzo de 1996, tras varios intentos desesperados por reanimarle, fallece de otro infarto. Nos deja Kieslowski.

Aún a día de hoy, la mayoría de sus admiradores seguimos de luto. Un luto difícilmente superable.

Poco antes de que falleciera, como si fuera una especie de presagio fiel a sus films, anunció su deseo de abandonar el mundo del cine dejando a “Rojo” como su testamento. Afirmaba que se sentía decepcionado por la deficiencia del lenguaje cinematográfico comparado con el literario, que tenía la sensación de haber dicho todo lo que tenía que decir y que ya se notaba agotado por el ritmo de trabajo de los últimos años. Prefería dedicarse a su persona, comenzar a cuidarse más, cosa que no pudo hacer debidamente en todo ese tiempo. Casi nadie se lo creía, cuando siempre fue un director que recorría el inagotable camino de la verdad.

Y puede que los escépticos tuvieran razón. Nadie sabe con exactitud los planes que tenía en mente el director polaco, pero lo que es un hecho es que estaba concluyendo unos guiones (junto con su fiel colega Piesiewicz) que iban a convertirse en una posible trilogía que tocaba, de nuevo y más profundamente, el tema del alma humana y su búsqueda purificadora: Paraíso, Infierno, Purgatorio.

Su inesperada muerte turbó el proyecto y nunca pudo terminarse. Por mucho que Tom Tykwer (“Corre Lola, Corre”) recibiera el guión de la primera parte y diera luz al proyecto inacabado con “Heaven” (“En el cielo”), presentándolo en el Festival de Berlín del 2002, nunca fue lo mismo. Y la gente era consciente de ello. Parecía casi un insulto absurdo ponerse con el guión de Kieslowski cuando no se es capaz de enfrentarse a algo de tal nivel. Y que Tom Tykwer, por mucha buena intención que tuviese, se atreviera con ello es un acto, cuanto menos, hereje.
Sin lugar a dudas, el proyecto en manos de su verdadero creador (el único que sabía dar forma y humanidad a sus geniales ideas) no hubiera obtenido el mismo resultado. Ni por asomo. Una interesantísima premisa convertida en un film fallido.

Danis Tanovic (“En Tierra de Nadie”), en el 2005, se atreve a continuar con el proyecto filmando “El Infierno” (“L'enfer”) de la mano de Piesiewicz en el guión. Aunque no haya visto el resultado, no soy partidario de tal atrevimiento.
Veremos si alguien se atreve con el último capítulo referente al Purgatorio.

Vamos a hacer un breve repaso a la persona y vida del polaco.

Krzysztof Kieslowski nace en Varsovia el 27 de Junio de 1941 y estudia en la escuela de cine y teatro de Lódz (Polonia).
Para muchos buscador inagotable y perfeccionista del espíritu humano y su verdad, para otros católico presuntuoso, el director polaco vivió plenamente la crisis social y política de Polonia y, siendo definido como uno de los cineastas polacos pertenecientes a la oleada del “cine de inquietudes morales”, comenzó filmando documentales sobre la problemática de su entorno sociopolítico que, por aquél entonces, consideraba como la forma más verdadera de acercarse a la realidad.
Pero el sufrimiento de una inestabilidad y manipulación políticas, que lograron que su cine alcanzara un máximo en dicho sentido con la instauración de la Ley Marcial, terminaron por agotar a un Kieslowski ya decepcionado por la imposibilidad de elegir de una forma que no nos condene en un mundo y entorno políticos que hacían mucho daño (tanto en lo social como en lo personal) a su persona.

Ya afirmó en su momento que uno de los motivos por el que dejó de lado los documentales para pasar a la ficción, fue el hecho de que dichos documentales podían ser utilizados en contra de las personas que aparecían filmadas.
Y el concepto de la moral en Kieslowski era muy exigente, y era consciente, de una forma puntillosa consigo mismo y sus elecciones, de que lo que hacía podía dañar la vida íntima de determinadas personas. Tanta duda degeneró en un cambio de posicionamiento cinematográfico.

Más adelante, dentro de la propia ficción se le presentaron más dudas, sobre todo en lo relativo al tratamiento político en sus películas. En “Sin Fin”, que coincidía con la época de la Ley Marcial que antes he nombrado, llegó hasta el punto álgido en ese aspecto. La película dejaba a la vista el pesimismo que se había ido apoderando del director según iba profundizando en diversos temas, y lo que en principio era todo inocencia terminó mostrando la imposibilidad de separar la vida política de la privada sin entrar en conflicto ni traicionarnos a nosotros mismos (hecho por el que el personaje de Barcis se nos aparece como alma en pena y conciencia de nuestra desesperanza a lo largo del “Decálogo”).

Así, Kieslowski decidió olvidarse de la política, ya que se sentía impotente y veía que era inútil tratar de solucionarla. Y comenzó con el “Decálogo”, en el que los resquicios políticos eran mínimos y se centraba en lo humano de su entorno. En los tormentos y deseos que acosan a lo más interno de nuestro ser y nuestro espíritu, tales como el amor, la soledad, la libertad o las elecciones vitales. Pero sin olvidarse de su moral o de su moderada ingenuidad y creencia hacia el ser humano como individuo.
En el fondo siempre fue él mismo y sus preguntas, pero ya un tanto pasado de vueltas.
Si al principio se planteaba al individuo como parte obligada de una sociedad o política, posteriormente se consideraba su posición en la sociedad, pero como parte humana de él mismo. De su libertad individual dentro de lo social, y no al contrario. Todo elevado a un plano más espiritual, humano y metafísico.

Y, siguiendo ese soberbio camino, cuando se encontraba en el momento de mayor reconocimiento, tras el éxito de “La Doble Vida de Verónica” y la trilogía de los “Tres Colores”, su carrera se frenó inesperadamente. Decidió alejarse del mundo del cine, ese cine que era visionario hasta con su propia persona y futuro, ya que, como sucedió con Verónica, el corazón le falló en lo más alto.

Ya estaba sobre aviso. Hacía caso omiso a los consejos médicos, soportaba un ritmo de trabajo exagerado para su salud, fumaba sin control... y su débil corazón lo sufría y dio varias advertencias. Hasta que decidió dejar de funcionar y de sufrir.

El 13 de marzo de 1996, a los 54 años de edad, nos dejaba el maestro entre los maestros. A partir de ese momento, el cine perdió casi toda su capacidad espiritual y ya no nos queda consuelo posible. Ya nada será lo mismo sin su persona ni los interrogantes que nos planteaba sobre nuestras propias experiencias.

Nos vemos avocados a un cine que no mira más allá de su ombligo y simplemente se preocupa por motivos superficiales, banales y materiales que evitan que crezcamos como personas. No nos dejan aprender. No permiten plantearnos preguntas sobre nuestro camino vital y nuestro sentido. Y eso nos pasará factura.

Muchos decían que era un digno heredero del cine más perfecto de Tarkovsky o Bergman, pero Kieslowski fue el alumno aventajado de todos ellos, y, a su manera, era único y nadie podía alcanzar su forma de entender la vida y el cine. Estando ambos conceptos, dicho sea de paso, más entrelazados de lo que muchos se piensan.

Amor, soledad, coincidencia, libertad, Dios, convicción, creencia, decisiones volitivas, elecciones, ingenuidad, azar, moral... para un mayor análisis de su obra y su persona, tengo publicados, en este blog, varios textos en los que lo explico todo más detalladamente. Para los interesados, aquí los tienen. No voy a repetirme ni extenderme ahora.
Y como documento imprescindible de apoyo sobre su trayectoria profesional y personal, está a vuestra disposición el interesantísimo documental del 95 “I’m So-So”.

Diez años sin el autor que mejor ha retratado el alma humana y sus inquietudes y problemáticas. Diez años sin el maestro. Diez años sin Kieslowski.

Aún siguiendo con nuestro luto particular, la ocasión merece un momento de reflexión, silencio y respeto.

El mundo del cine nunca será el mismo sin ti. Te queremos Kieslowski.

D.E.P.

Tumba de Krzysztof Kieslowski. Cementerio de Powazki (Varsovia)

Con motivo del X aniversario de la muerte de Kieslowski, llega "No Matarás" a los cines de España

Fri, 10 Mar 2006 19:46:58 GMT

Inédita hasta ahora en España, "No Matarás" es una de las obras cumbre de la filmografía de Kieslowski, tanto desde el punto de vista cualitativo como por ser la película que elevó el reconocimiento del director polaco, muy limitado hasta la explosión de su "Decálogo".

Krzysztof Kieslowski falleció el 13 de marzo de 1996, a los 54 años de edad, debido a múltiples ataques al corazón, del que ya sufría tiempo atrás.

Con el motivo del décimo aniversario de su muerte, Wanda Visión decide homenajear al genio mediante la proyección de su sublime película y particular porción del "Decálogo".

Asimismo, Cameo continuará con el homenaje más adelante, lanzando el DVD de "No Matarás", "No Amarás" y una espectacular edición especial de "La Doble Vida de Verónica". Ya iba siendo hora de que sacaran a la luz ediciones que reconozcan la genialidad del director.

De momento, la película (cuyo re-estreno ha acontecido hoy, día 10 de marzo) solamente se está proyectando en determinados cines de Madrid y Valladolid, por lo que, a aquéllos que no hayáis disfrutado de la película (o los que estéis dispuestos a repetir la experiencia), os recomiendo encarecidamente que aprovechéis la ocasión. Es un momento irrepetible, en recuerdo a un director irrepetible.

Para refrescar las ideas, os dejo el enlace a la crítica que realicé de la película en su día:

No Matarás (A Short Film about Killing)

Nunca te olviaremos, Kieslowski. Uno de los grandes genios del cine, uno de los pioneros en llegar más allá de lo visible con una simplicidad abrumadora. Con tu muerte el cine ha perdido casi toda su espiritualidad y humanidad.

Ya 10 años... no he podido contener las lágrimas.